归根结底，音乐理论就是作曲理论。普通吉他爱好者上吉他教学班时，老师在台上不会小心。这方面的知识都是专业的。因为太专业了，所以不容易普及。这里仅简单介绍一下重要内容，为自学者提供方便。
1. 和谐
和声是对一起产生的多种声音的效果和模式的研究。如果把旋律比作“骨”，那么和声就是“肉”。只有和谐，声音才能变得饱满、和谐、优美。和声非常重要，可以说是所有音乐理论的基础。许多音乐大师都为和声做出了杰出的贡献。但和声内容浩大，规则较多，学好难度较大。中篇小说《你别无选择》（刘索拉《新时代较量之作》）中的教授声称自己学了八年还没有掌握这门学科，可见其难度有多大。但掌握和谐的基础知识，受益最大，值得一试。这里对一些重要的基本概念和术语进行简单介绍。
(1) 三合会
由根音、上面的第三个音符和上面的第五个音符叠加而成的和弦称为“三和弦”。三和弦是构成和弦功能的最基本的和弦，使用最多。从结构上来说，三和弦包括“大三和弦”、“小三和弦”和“小三和弦”（只有一个）。按功能可分为“主和弦”（以主音为根音的三和弦）、“属和弦”（以主音为主的三和弦）和“从属和弦”（以从属音为主的三和弦）。此外，每个三和弦都有两个转位。主、属、属三个和弦称为“正三和弦”，其余四个和弦称为“属三和弦”。这四个子三元组属于“主导功能”组和“从属功能”组。现将全音阶七个音组成的所有根音三和弦列出如下：
根函数类型符号
1 主和弦大调3 T （或）
2 次要和弦（从属类别） 小调3 S
3 三度和弦（通用） 小三度D
4 大属和弦S（或IV）
5 大调D（或V）属和弦
6 六度和弦（从属类别） 小调3 S
7 七度和弦（通用）减三D
除减三和弦DVII外，其余六个三和弦都是辅音。
(2) 七和弦、九和弦、和弦变化
在三和弦上叠加第三音（根音的第七音）而形成的和弦称为第七和弦。七和弦是不协和和弦。最常用的七和弦是“属七和弦”（由属和弦组成的七和弦）。重属和弦和减七和弦也经常遇到。如果在七和弦（即根音的九音）上加上三和弦，就变成了九和弦。九和弦也是不协和和弦。如果和弦中除根音以外的音符不遵循原来的规则而变换为另一个音符，这样的和弦称为“变化和弦”。九和弦及和弦变化的功能和色彩比较特殊，不易掌握，所以很少使用；他们基本上不会出现在简单的作品中。
(3)和声部分
和声一般由“高音”、“中音”、“次中音”、“低音”四个声部组成。在和声谱表中，高音位于顶部，低音位于底部，中音和次中音位于中间。因此，高音部分和低音部分这两个声部常常被统称为“外声部”，而中音和次中音部分被称为“内声部”。高音部分一般是主旋律部分；内部的两个部件主要用于配置和声，常被称为“填充部件”。当和声进行、衔接时，内心的声音必须充实、稳定，声音之间不能有重叠。低音声部始终处于和声中最低的位置，决定了根音，因此它不仅起着基础作用，而且引导着和声的方向，其作用非常重要。 “四声和”的写法是作曲的重要技巧之一。无论作品大小，都应该是起点（主旋律确定后，就开始和声写作）。管弦乐将和谐的质感具体化。 （由于不同的乐器属于不同的声部，所以可以按照和声声部来写乐谱，也可以按照乐器的分组来写：如弦乐声部、铜管声部、木管声部……） 不同的作曲和声房屋的风格往往各不相同：有的富丽堂皇，有的雄伟大方，有的清澈透明。比如瓦格纳的作品就以华丽而闻名。
（四）和声的递进、联系与“化解”
和声必须在音乐的过程中不断地变换、变化、停止；为此，每个部分还必须适当地过渡和连接。所以这是写和声的基本功。和声进行的基本特征是从“稳定”到“不稳定”再到“稳定”的交替循环；从“协和”到“不协和”，再到“协和”。其功能模式为：T-S-T、T-D-T或T-S-D-T。这就是《你别无选择》小说中多次提到的所谓“功能圈”的含义。小说中还提到了“决心”这个词。这是指不协和和弦（如七和弦）在进行和连接过程中转化为辅和和弦的方式。基本规则是将每个声部的声音过渡到最接近的辅音，例如71； 43 等；而辅音保持不变。
（五）关于和谐的“力量”
《你别无选择》中名叫森森的尖子生热衷于模仿贝多芬，却因贝多芬“无与伦比的力量”而终日砸在钢琴上寻找“力量”。他的口头禅之一是“该死的，力量！”通常强度是指声音强度，用意大利语表示，如“p”代表“弱”，“f”代表“强”，“sf”代表“特强”等。但这里的强度是另一个概念，否则用脚踩钢琴的“强度”一定超过贝多芬。小说中的“力度”主要是指音效的力度，也就是和声的力度。和声的强度可能与和弦中包含的泛音系列的共振频谱有关。因此，与声音的多少和间隔距离有关。一般来说，小三和弦的力量不如大三和弦；单个音程不如复调音程（超过八度的音程）强大；辅音和弦的力量不如不协和和弦（减和弦除外）。这就是为什么森森“在九和弦之上叠加了七和弦”。
如何学习和谐：
（1）充分理解基本概念，不需要死记硬背规则。和谐有很多规则，但限制很少。而且，记住这些“禁忌”，就不会犯大错，所以首先要记住“禁忌”。
(2)坚持锻炼。音乐与数学、物理不同，它没有绝对的标准，练习也没有唯一的答案。只有多做、多练习，才能记住、提高。
(3)多听一些著名的音乐。这其实是最有效的手段。初学者可以听一些简单、易懂、耐听的音乐。
2. 格式学
音乐形式是指音乐的结构形式。有“单节”、“二节”、“三节”、“变奏形式”、“奏鸣曲形式”、“回旋曲形式”等。每个主题部分用“A、B、……”表示。例如“二段体”的曲式图式是“AB”； “节体”的模式为“ABA”，第三节A与第一节基本相同。儿歌多为二声部，甚至一首；流行歌曲多为三声部。 “华尔兹”常采用回旋曲形式。
3. 复调音乐
“复调”是相对于“主音”而言的。如果只有一种声音作为主题旋律，其他声音只起配角，这种音乐称为基调音乐。如果有多个旋律声部，且各声部横向相互独立，纵向形成和谐关系，形成和声的有机整体，那么这样的音乐就称为“复调音乐”。在复调音乐中，各声部的旋律按优先顺序被称为“主旋律”和“次旋律”。只有一个主题。复调音乐是一种重要的作曲技术，应用广泛。其理论基础是和谐。 “赋格”是复调形式之一，其技术由巴赫发展到完美。
4.对位法
对位法是“复调音乐”写作技巧之一。它基于和声理论，使每个声音既辅音又相对独立。例如，重合唱（三重奏、四重奏）是用对位法写成的。对位法可分为“严格对位法”和“模仿对位法”。俄罗斯和德国音乐理论家尊重并坚持严格的对位法。
5. 旋律
旋律就是曲调。它是区分一首音乐与其音乐的基本特征，就像建筑物的风格和节奏一样。 “音素”构成“动机”，动机进一步发展为主题，形成旋律。具体来说，就是将一定的“声音模式”和“节奏模式”按照特定的节奏和节拍规则组合起来形成旋律。旋律是视觉的：它反映在旋律线（音符头之间的连接）中。早期，一些音乐家追求“旋律线的美”，认为好的旋律也应该是视觉上的美。旋律的创作依赖于天才、灵感和实践。旋律创作的功力很强，其展开手法多样、丰富。常用的开发技术包括：重复、塑造、模仿、收缩、扩展、变化、对比、变异等。大多数概念都是通过展板和视听演示来解释的。 （参见音乐欣赏讲座（三））。
6. 编排
配器法是一种管弦乐写作技巧，因此也称为“管弦乐法”或“器乐法”。不过，所有的乐队表演甚至流行歌曲的伴奏都离不开配器的运用，所以学习一点配器方面的知识是很有实用价值的。学习配器是为了解决以下问题：各种乐器的发声原理、音色、音量、演奏方法等。 各种乐器音量之间的匹配关系。 正确选用乐器才能正确表达作品的主题和风格。
现在想象一个例子：我写了一首小提琴协奏曲。但小提琴家拿到乐谱后来找我说：我不会弹。我坚信写作没有任何问题：旋律优美，和声丰富。有什么问题？可能有三个。一是声部乐谱的范围不对，上限或下限超出了小提琴的范围。其次，我把三和弦写成三个音符，但是小提琴只能同时演奏两个音符，所以演奏者当然不能演奏它。三是和弦音程过大：例如一个音符在G弦（第四弦）上，另一个音符在A弦（第二弦）上。中间有一根绳子，你让他（她）怎么拉？再比如，一个乡镇企业成立后，买了一堆外国音乐，组建了乐团，排练节目，请专家指导。但售票员看完后却摇了摇头，表示无奈。原因有：1）乐器数量不匹配，有的超过了大型乐团的数量； 2）专业音乐家在没有配器的情况下很难齐声演奏。
上述两个案例之所以失败，都是因为缺乏编排常识。此外，在流行歌曲的伴奏中，如果配器方法运用不当，也可能会出现一些问题，如“杂乱”、“迷恋客带头”等。但电声乐器的发音、音色、功能特点和演奏技巧与传统乐器有很大不同，并形成自己的体系。因此，传统的配器方法基本上不适合纯电声乐队。